Superar la germanización de Europa

Superar la germanización de Europa, discurso de Odd Nerdrum en el MEAM. by museumeam Discurso de ODD NERDRUM (MEAM-BCN, 17-09-2015) Traducción del inglés al español: Karin Mollø-Christensen Dramatización e interpretación: Lluís Gavaldà i Subirachs. Odd Nerdum durante la presentación de la exposición retrospectiva de su obra en el Museu Europeu d'Art Modern (MEAM), le acompañan Jose Manuel Infiesta, Josep Gavaldà, Cathrine Bergsrud y el embajador noruego en España. En una feria de arte, un alumno mío se encontró con un coleccionista  de  avanzada  edad.  Tras  una  breve  charla, acordaron que el coleccionista visitaría el estudio del joven. Al día siguiente, aquel señor se enfrentó con valentía a la empinada escalera del  loft del pintor y por fin se encontró ante la puerta del estudio. El pintor le dio la bienvenida y el coleccionista, jadeando, entró en el taller. Tras  echar  un  vistazo  a  los  lienzos  que  el  artista  había distribuido por la estancia, exclamó: −¿Es  eso  lo  que  querías  mostrarme?  ¿Esos  cuadros anticuados?  ¿Esas  pinturas  oscuras,  esas caras  tristes? ¡Esto  no  es  arte,  muchacho!  ¿Me  has  hecho  subir  hasta aquí sólo para ver esto? El pintor se quedó estupefacto. −¡No engañes a la gente de esta manera! Y salió enfurecido. ¿El coleccionista fue engañado? ¿Por quién? Hagamos unas cosideraciones: La  mayoría  de  entendidos  son  de  la  opinión  de  que  el artista francés Paul Cézanne extrajo su mundo pictórico de su interior. ¿Pero, de dónde brota esa inspiración? Cézanne  nos  presenta  una  paleta  con cuarenta  colores puros, sin mezclar. En una pintura, la imagen de un cordón de zapato debería tener tanta importancia como el ojo humano. ¿De dónde surgieron estas ideas? ¿Quién encargó al artista moderno pintar como un niño? Después  de  haber  hecho  intentos mediocres  para  crear imágenes  barrocas,  Cézanne  leyó  Crítica  del  Juicio,  del filósofo Emmanuel Kant (1724−1804), y se convirtió en un ilustrador de sus reglas de arte. En  Crítica del juicio, Kant buscó la verdad en la belleza del arte. Una belleza silenciosa, sin referencia a nada, era lo  ideal  para  él.  Y  el  creador  de  arte,  un  Genio  con mayúscula, poseía un don sin referencias de este mundo. Goethe  dijo  de  la  Crítica  del  Juicio de  Kant,  que  nadie podría llegar a ser artista sin haberlo leído. Según Kant: Un Genio nunca tanto, no puede ser reutilizada. El Genio propone El artistas  deben ser  juzgados  de  acuerdo  con  este Genio. El anteriores. De modo que si, por ejemplo, usted es un compositor  que estudia  Beethoven,  no  debería  imitar su música, pero sí su hábito de tomar café. Y, que entonces cada color puro se ensucia. copia el estilo de otro. La técnica, por • algo que Genio es el ejemplo de nadie ha visto antes. la belleza; todos los demás • • Genio sigue los mismos hábitos de vida que Genios • finalmente, el Genio no debe mezclar los colores, ya • Medio  siglo  antes  de  Cézanne,  Madame  de  Stäel  fue  de viaje  a  Berlín  y  regresó  entusiasmada:  la  cuna  del pensamiento: l'Allemagne. La  vida  cultural  de  Francia  está  iluminada  por  el pensamiento  de  los  idealistas alemanes, como  Georg Wilhelm  Friedrich  Hegel  (1770−1831),  que  escribe  en  su Estética que… la manera de imitar el clasicismo no es suficientemente  buena.  Y  que…  el  espíritu  debe encontrar su grandeza en sí mismo. Pero su  gran idea es la afirmación de que el genio es un producto  de  los  tiempos.  No  obstante,  si  el  artista  no respeta  esa  ley,… por ejemplo,  tratando  de  escribir  una obra como Shakespeare en el siglo veintiuno, la doctrina de Hegel  determinará que  el artista  sea  olvidado,  y  sus derechos de autor eliminados. Son afirmaciones de Hegel. Siguiendo con  su alegato, usted no tiene  que  ser  bueno sinó nuevo. Durante  la  época  romántica,  los  alemanes  comenzaron  a desarrollar la idea de que eran los verdaderos portadores de la cultura al mundo. Una nueva religión. También  fue  la filosofía  de  esa época  la que  determinó como Arte lo que en la actualidad llamamos Modernismo. Desde su nacimiento en el siglo dieciocho, el arte se había desarrollado  más  como  una  cuestión  de  mandatos teológicos que como una filosofía. Para entender qué hay detrás de la idea del arte abstracto, tenemos la filosofía de Kant. Para el pop art, la filosofía de Hegel. La filosofía alemana se  convirtió en  decisiva para el  siglo veinte,  pero  casi  ningún  artista  conocía  sus  orígenes.  Al cabo de los años dicen que, simplemente, les llegó. Con  el  tiempo,  la  comprensión  de  la  filosofía  estética  de Hegel se simplificó  y  las  interpretaciones  populares circularon ampliamente. Éstas son algunas de ellas: Que  valor. • Que un artista puede abrir el camino hacia el futuro. • Que él está por delante de su tiempo. • Que un artista siempre se renueva a sí mismo. una  pieza  de  trabajo,  si  no  es  nueva,  no  tiene • Mientras Kant habla sobre el ser que  siente, Hegel habla sobre  el  lugar  del  individuo  en  la  sociedad.  Estos pensamientos representan una mezcla ilógica. Nadie puede ser uno mismo y a la vez ser un seguidor de su tiempo. La verdad es que en nuestra época, a partir de las guerras mundiales del siglo anterior, se ha mantenido en silencio el origen filosófico del término arte. La influencia de Kant y Hegel en el mundo ha sido grande y considerablemente más importante que las ideas de Marx y Freud. Ayn  Rand,  en  una  ocasión, describió  a  Kant  como  el verdadero villano de nuestro tiempo. En  las  universidades  europeas,  de  Historia  del  Arte − Sociología  −  Historia  de  las  Ideas  −  Filosofía  −  Historia Universal  −  Psicología…,  todos  los  llamados temas semimetafísicos están totalmente acorde con el espíritu de Kant. La gente de la calle habla en la línea de su espíritu. Es difícil imaginar un mundo diferente al mundo occidental, en el que muchos de nosotros hemos nacido. Pero  sí, existió una cultura antes de la germanización de Occidente en los siglos diecinueve y veinte, y este mundo estuvo coronado con poesía. La antigua cultura griega es el mayor milagro alcanzado en la  tierra  durante  la  historia  humana, tal  como  la conocemos. Consideremos  a  los  escultores,  por  ejemplo,  midiéndolos con un artesano medio como fue Da Vinci. ¿Y cómo era la vida de un pintor clásico en Atenas, en el año 300 a.C.?  Plinio  el  Viejo,  tres  siglos  y  medio más  tarde,  glosó  al artesano  griego  como  un  trabajador  virtuoso  que  fue altamente respetado. Aristóteles nos ofrece información sobre el pintor antiguo: dice  que  mezclaba  los  colores  blanco,  negro,  amarillo  y rojo,  con  el  fin de  lograr la  armonía  en  su  obra.  La combinación de esta cuatricromía recibe el nombre de  La Paleta  Apeles,  y  ha sido heredada  por  pintores  como Velázquez, Rembrandt, Zorn y los Tiziano tardíos. Los  pintores  de  la  antigüedad eran magos  de  su  propia época. Pero, ¿que pensaban los griegos acerca de su tiempo? No existía  ninguna  idea  espiritual  sobre  el  fin  del  mundo.  El tiempo lo experimentaron como épocas, y respetaron a sus dioses, que les protegían con sabiduría. Europa ha heredado su cultura de la antigüedad −podemos llamarlo…  el  barroco  expresivo−.  ¿Es  ante  esto  que  los filósofos alemanes reaccionaron: ante el propósito de una norma  objetiva, movimiento?  el  cuerpo  clásico  plasmado  en Según la creencia cristiana, el Limbo era una morada para las personas nacidas antes de la muerte y glorificación de Jesucristo.  En  el Limbo,  nos  encontramos  con  el  difunto Platón flotando y conversando con Abraham e Isaac. Sólo  después  de  la resurrección  de  Cristo  estamos capacitados para ver el Paraíso, siempre que sigamos sus enseñanzas.  Si  no lo hacemos,  nuestro  destino  es  el Infierno. La  posición  de  Jesucristo  en  la  Roma  Medieval  no  es  tan distinta a la de Kant en la historia reciente. Si Diego Velázquez hubiera vivido y trabajado en los cien años siguientes a la publicación de la Crítica del Juicio, su destino habría sido el kitsch. Después de mil años de cristiandad iconoclasta −desde la caída de Roma hasta el final de la Edad Media−, resucitó el clasicismo de los tiempos antiguos. Ahora estamos viviendo la era del arte, un concepto que tiene poco  más de doscientos  años  de antigüedad.  Si  los comisarios  de  arte  logran  su propósito,  el  arte permanecerá  bajo  su  dominio  durante  ochocientos  años más. ¿Es eso lo que queremos? Pero, recuperemos al viejo coleccionista del principio: Al  calificar  las  obras  del  joven  pintor  como  pasadas  de moda, simplemente  se  limitó  a  seguir  las  ideas fundamentales  de  Kant  y  Hegel  acerca  de  lo  que  el  arte debe o no debe ser. Arte,  para  el  coleccionista,  era  lo  que  llamamos modernismo, creyendo correcta la idea de que el arte es un fenómeno  moderno  arraigado  en  la  autonomía  y  la mística. En primer lugar, el Clasicismo nunca tuvo nada que ver con el arte, a pesar de que llegó hasta el Renacimiento a través de  la  filosofía  de  Aristóteles  y  de  la  estética  de  la antigüedad. La pregunta que queda es: ¿quién asesoró al coleccionista? Los historiadores de arte son, casi siempre, asesores de los ricos,  y  han  ganado  posiciones  como  magistrados  de  la estética. Kant  dijo  que  un  técnico, independientemente  de  la cuestión  a  tratar,  debería  designar  al  genio.  Pero,  ¿el historiador  de  arte  posee  mejor conocimiento  sobre  la composición y la interpretación de la piel que un pintor? Desde que el historiador de arte se convirtió en un soldado de  infantería  para  el  misticismo  Kant−Hegel,  grandes talentos han pasado por alto, y el ascenso hacia el éxito se ha convertido en un juego de lotería. Todo el conocimiento precedente ha sido desechado por la filosofía alemana de la Era Romántica. Y el culpable no es el artista. El pobrecito no es más que una patata que debe ser triturada. El único culpable es el historiador de arte. Salvo algunas excepciones, todos están invadidos  por  la  filosofía alemana,  y  la  defienden  como soldados. En los museos, los críticos de arte lo deciden todo: deciden por  los coleccionistas,  por  los  compradores…  Son  los consejeros del Gobierno y su poder es pernicioso. Kant dijo que el crítico debe ser una persona que carezca de  conocimientos  sobre  el  trabajo  que  está  valorando.  Y añade  que  el objetivo de  la  crítica  no  debería  ser  la habilidad o la técnica, sino el genio puro e intacto. En  Occidente,  todo  el mundo  está educado  de  la  misma forma, y aquel que no está de acuerdo con la norma, se queda solo, sin empleo y pierde su legitimidad. El  Modernismo,  como  un  estándar  de  calidad,  ha mantenido su  poder  mediante  la financiación gubernamental durante más de cien años. Los empleados y empleadas  de  la  limpieza  pueden  quejarse todo  cuanto quieran,  pero  los  intelectuales  universitarios  siguen sonriendo. En una carta a Alma Mahler, en 1914, el compositor Arnold Schönberg  denunció  la  música  de  Bizet,  Ravel  y Stravinsky: Vamos  a  lanzar  a  estos  mediocres  traficantes  de kitsch  a  la  esclavitud  y  a  enseñarles  a  venerar  el espíritu gemánico y a adorar al Dios alemán. Atestigua,  así,  la  idea  del  Modernismo,  en  su  apogeo,  a principios del siglo veinte. Dos años más tarde, fue publicada la siguiente declaración sobre Vincent Van Gogh: Él representó la batalla del espíritu alemán en contra de la forma clásica. Pocos  comprenden  que  este  Modernismo  se  basa  en  una filosofía desarrollada por dos pensadores, una filosofía de mandamientos. Sé cómo librarnos de este monopolio y dejar que el diálogo reviva en esta zona de combate y de tiranía consensuada. En el Imperio Romano, un médico llamado Claudio Galeno llegó  a  tener  influencia  sobre  la  clase  política.  Bajo  su cuidado, a menudo había gladiadores heridos. Para evitar infecciones, Galeno separó a sus pacientes: • Un hospital para operaciones quirúrgicas • y otro para enfermedades contagiosas. Gracias a esta medida, muchos gladiadores, sin infecciones y heróicamente, pudieron morir en la arena. Los cirujanos  conocen  minuciosamente  la  parte  de  la anatomía humana en la que se han especializado. El talón de Aquiles del hombre moderno poco ha variado del de su propietario original. Sin embargo, el apartado epidemiológico es sorpresivo: Un día  apareció  el  cólera,  otro  la  peste,  la  sífilis,  malaria, ébola,  sida…  y  así  sucesivamente. Frivolizando  un  poco, podríamos  hablar  de  modas,  como  con  la  vestimenta:  a cada temporada su bacteria. Nadie puede  saber  a  ciencia  cierta  cuándo  y  cómo aparecerá una nueva epidemia. Ni si será espontánea o de diseño. Galeno  entendió  que  la  distancia  entre  esos  dos  edificios era terapéutica. Este conocimiento desapareció en cuanto el cristianismo se afianzó en Europa. A ejemplo de Galeno, podríamos hacer una analogía con el arte: ¿Qué tal una división de principios estéticos? • Una Facultad de Filosofía visual  alemana, basada en las ideas de Kant y Hegel. • Y una Facultad de Filosofía visual  clásica, basada en las ideas de Aristóteles. El  campo  de  la  filosofía  visual  alemana  consiste en pensamientos  que  van  a  la  deriva y  una  idea  del  tiempo estricta  y  lineal.  Es  un  terreno  fértil  para el descontento, adornado por una identidad santa. La  visión  del  mundo  de  Aristóteles  es  completamente diferente. Vivía en un mundo circular, donde el tiempo se había  detenido,  como  hoy  en  día.  Nosotros  sólo… envejecemos. Aristóteles decía: • El  pintor  se  recrea  en  la  imitación,  mientras  que  el espectador disfruta con la identificación. • Todo lo que hagas debe servir a un propósito, por lo que el objetivo de la poesía, por ejemplo, es transmitir verdades universales acerca de la humanidad. • Uno debe inventar utilizando lo mejor del pasado. • Sólo  un  pintor  tiene  autoridad  real  para criticar  las pinturas de otro. • A  cualquier  arte  se  le  puede  aplicar  una  calificación objetiva,  ya  que  las  personas hábiles  en  su  oficio conocen el porqué de cada cosa que se hace. • Uno  no  se  limita  a  nacer  con  un  talento,  sinó que también  puede  desarrollar  habilidades  a  través  de  la virtud y la práctica. • Y,  finalmente,  que  un  pintor,  un dramaturgo,  un músico o un escultor deben, en todo momento, evitar la originalidad. Según  Aristóteles,  es  preferible hacer  uso  de  los  mitos existentes.  A  pesar  de  que  eso  no  excluye  para  nada  el deseo de la gente de crear sus propias historias −aunque Aristóteles  abocó  al  poeta  al  fracaso,  en  caso  de  que eligiera este modo de expresión. Rembrandt ilustró historias de la Biblia y, milagrosamente, aumentó el poder de la palabra escrita. Y Tiziano mitificó a los apóstoles cristianos. Pero  los  historiadores  de  arte  han  ignorado  el  elemento poético en la pintura del Renacimiento, interpretándola de un modo altamente intelectual. Y el historiador de arte, que ha sido educado en el espíritu del pensamiento  alemán  del  siglo  diecinueve,  es  el  que toma las decisiones. Sin  embargo  el  mundo  está  pidiendo  a gritos  una alternativa. El crítico de arte debería conocer la otra cara de la historia. Según las doctrinas de la estética moderna, la mayoría de obras  que  encontramos  en  el  Louvre  deberían  ser etiquetadas como kitsch −las que se hayan hecho después de Kant, por supuesto. Hay una grave confusión acerca de cómo han cambiado los conceptos  con  el tiempo.  Hay  un  mundo  de  diferencias entre  la  artesanía  del  siglo  diecisiete  y  el  arte  del dieciocho. ¡Despierta! Los soldados de ISIS están luchando en Irak y Siria en nombre del Islam. ¿Los historiadores de arte están luchando también por su propia causa? Ambos desprecian el cuerpo desnudo. Los alemanes nunca lograron crear un desnudo femenino sensual. ¿Hemos de sufrir eso? Lo  que  necesitamos  es  diálogo,  no  un  monopolio.  Si  no superamos el monopolio, que es evidente en el mundo del arte  de  hoy,  el  monstruo  de  un  sólo  ojo  nos  seguirá devastando. ¿Y  cuáles  son  las herramientas  para  librar  al  mundo  de este problema? Tras  publicar,  mi  exalumno  Jan−Ove  y  yo,  el  libro  El kitsch, en  1999,  tuvimos  conocimiento  de  un  hecho interesante: Un comentarista de arte, muy germanomaníaco y autor de críticas  bastante  lamentables,  escribió  un  artículo  sobre una exposición figurativa clásica para un periódico líder en Noruega.  En  su  introducción  manifestó  que,  desde  que había  leído  el  libro  El  kitsch,  había  decidido  valorar  las exposiciónes desde  un punto de vista clásico −excluyendo cualquier consideración basada en los principios reinantes en las reglas del arte. Tras este preámbulo, trazó una evaluación magnífica de la exposición. Ni antes ni después, el escultor clásico Per Ung, tuvo una aceptación semejante. No hay que considerar tan lógico que el mundo tomara el rumbo  que tomó.  Si  no  hubieran  existido  los  filósofos alemanes del siglo dieciocho y diecinueve, el Modernismo no  hubiera llegado.  Mucho  de  lo  que  vemos  a  nuestro alrededor hoy en día tampoco existiría. Ha llegado el  momento de superar el dominio alemán en los  países  europeos  y  la  influencia  que  tiene  sobre  los museos modernos… y vacíos. Todos estamos contentos con el Renacimiento. ¿Por qué? Porque el Clasicismo resucitó a partir de una Edad  Media hambrienta.  Se  hizo  más  común  estudiar  Aristóteles,  y como resultado, Europa comenzó a respirar de nuevo. Fue el diálogo entre Aristóteles y el cristianismo lo que hizo que la sociedad dejara de quemar herejes.¿Tal  vez  esto  debería  repetirse?  ¿Un  diálogo  entre Aristóteles y el idealismo alemán? Para  los  pintores  de  talento, escultores  y  arquitectos,  la guerra silenciosa todavía no ha acabado.